Juan Del Prete nació en 1897 y "se radicó
en la Argentina en 1909. Precursor de la abstracción, fue
becado por Amigos del Arte para estudiar en París, donde
tomó contacto con las vanguardias. Obtuvo el Gran Premio a
Extranjeros en Bruselas y el Premio Palanza otorgado por la
Academia Nacional de Bellas Artes" (9).
"Con Francisco
Parodi nacen las manifestaciones del arte plástico
en La Boca, este escultor que profesaba el amor al
arte, había llegado a la riviera (se refiere a La Boca), a
mediados del siglo XIX y había puesto su taller a pocos
metros de la casa donde nacería Benito Quinquela
Martin" (10).
Alcides Gubellini nació en Bolonia en 1900. "Se
graduó en la Escuela de Bellas
Artes de Bolonia, estudiando también en Florencia, donde
incursionó en el campo de la escultura. Completó su
formación en Roma, en los
talleres de los pintores Spadini y Mestrovich. Adversario del
fascismo,
emigró a América
en 1928 y se radicó en Buenos Aires, donde se hizo conocer
pronto en la prensa
porteña con sus dibujos y
caricaturas políticas.
Con motivo de una de sus exposiciones, escribió el diario
‘La Prensa’ en 1946: "Retratista subjetivo de hondura
indiscutible, para quien lo material vive sólo una idea
lejana, que logra ubicar en lo visible con prescindencia de lo
meramente corpóreo’. En 1950 el Salón
Nacional de Artes Plásticas otorgó un premio a su
obra ‘Marinela’. Cultivó el óleo, la
acuarela, el gouache, y sus terracotas y esculturas, con cierto
matiz caricaturesco, le conquistaron general reconocimiento. Se
dedicó a la docencia y
formó a numerosos artistas argentinos. Murió en
Buenos Aires, en 1957" (11).
Libero Badíi nació en Italia en 1916.
"Arribó al país en 1927. Sus primeros aprendizajes
artísticos los adquirió en la marmolería de
su padre. Luego estudió en la Escuela Nocturna de Artes
Decorativas y en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de
la Cárcova (1940-44). En 1941 renuncia al taller de su
padre, con la decisión de dedicar su vida al arte. Ingresa
en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la
Cárcova. En 1944 egresa como profesor de
Escultura".
"Recibe una beca otorgada por la Escuela de Bellas Artes
Ernesto de la Cárcova. En 1945 viaja por América
del Sur, a lo largo de la Cordillera de los Andes, visita
Ecuador,
Bolivia,
Perú, siguiendo el itinerario del Inca. Entre 1946 y 1947
impresionado por los motivos americanos, comienza a investigar y
desarrollar ideas sobre bocetos y dibujos sobre su viaje. Se
naturaliza argentino. Trabaja en el taller de J. Fioravanti, en
el monumento a la Bandera y en La Cárcova".
"En 1948 viaja a Europa, donde
realiza estudios sobre lo Gótico y Románico. En
1950 regresa a la Argentina. Decide definitivamente hacer su vida
y su obra en este país. Comienza la construcción, con la ayuda de un
peón y un albañil, de su Casa Taller, que bautiza
‘Almataller’, en Olivos. Participa en una exposición
colectiva en el Salón Buenos Aires. Realiza su primera
muestra
individual en la Galería Plástica. Obtiene los
premios de Dibujo,
Salón Buenos Aires, Escultura, II Salón de Mar del
Plata y Ministerio de Justicia en el
Salón Nacional".
"Entre 1951 y 1958 desarrolla, conjuga y adquiere el concepto
artístico tomado de sus dos vertientes, la europea y la
americana. Termina su Casa Taller. Realiza exposiciones
individuales en las Galerías Krayu y Bonino. Recibe el
Segundo Premio de Escultura en el Salón de Rosario, el
Gran Premio de Honor ‘Presidente de la Nación
Argentina’, en el XII Salón de Arte de Mar del Plata
y el Gran Premio de Honor en el XLIII Salón Nacional de
Artes Plásticas".
"Viaja a Europa, donde se encuentra con Le Parc y otros
artistas, que le piden que se quede, pero, obsesionado con la
Argentina, contesta: ‘Prefiero el sol de Buenos
Aires y no este gris de París’. En 1959 regresa a la
Argentina. Recibe el Premio Palanza. Siente que ha encontrado una
identidad.
Abandona todo tipo de influencias y renuncia, mediante un
manifiesto, a los envíos a Salones, renegando de los
Premios y Concursos".
"Entre 1962 y 1964 inicia su labor gráfica, imprime
grabados y efectúa un libro para
bibliófilos con 120 títulos. Expone una
Retrospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes y presenta su
muestra ‘Voces del
Pasado’ en la Galería Witcomb. Entre 1965 y 1967
realiza muestras sobre los poetas Porchia y Macedonio
Fernández, en la Galería Van Riel, y sobre
José Hernández, en la Galería Nexo. Viaja a
Francia y a Estados Unidos. Comienza a desarrollar su teoría
de lo siniestro".
"Durante 1968 y 1971 expone en el Instituto Di Tella,
Galerías Ática y Makarius. Presenta dos
exposiciones en Art Gallery International, una de ellas sobre el
poeta Raúl Gustavo Aguirre. Recibe el Premio Internacional
de la Bienal de San Pablo, Brasil, por
‘Los Muñecos’. En 1972 viaja a Estados Unidos
para colocar ‘Ave Fénix’ en el Kennedy Center,
Washington. Visita México.
Realiza exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes,
‘Labor Gráfica’, Teatro Municipal General San
Martín y Galería Ática".
"Entre 1973 y 1974 viaja a Canadá, donde expone en
National Library, Ottawa. Presenta técnicas
mixtas en el dibujo, en Galería Serra y ‘Los
Muñecos’, en el Museo Provincial de Bellas Artes de
Tucumán. 1975: Presenta Líbero Badii-Vida-Arte, en
la Galería Van Riel".
"Entre 1976 y 1978 expone en el Museo de Arte Moderno de
París ‘Esculturas Policromadas 1960-1976’; y
en las Galerías Ática y del Retiro. En 1979 es
publicado por Emecé el libro Arte Siniestro. En 1980
comienza a dedicarse exclusivamente a la pintura.
Expone ‘Pinturas Siniestras’ en la Galería del
Retiro. Recibe el Gran Premio Consagración de la Provincia
de Buenos Aires. Entre 1982 y 1983 se publican sus libros Frases
Espontáneas y Vivencias. Recibe el Gran Premio Fondo
Nacional de las Artes. Entre 1985 y 1986 expone en la
Galería del Retiro y Galería Tiempo
Argentino. En 1987 recibe el Gran Premio Consagración
Nacional"
Falleció en Buenos Aires, en 2001. En 2002 se lo
distinguió póstumamente con el Premio Konex de
Honor de Artes Visuales. Diez años antes había
recibido el Diploma al Mérito en Escultura: Quinquenio
1982-1986, y en 1982, el Diploma al Mérito en Escultura
Figurativa (12).
Ferruccio Polacco nació en 1917. "Escultor
autodidacta, realizó numerosas exposiciones colectivas e
individuales, entre otros lugares, en la Municipalidad de Buenos
Aires, en los Museos Sívori, de Arte Moderno y Nacional de
Bellas Artes; en las galerías Van Riel, Art Gallery y
Rubbers. Fuera del país expuso en el Centro Dante y San
Angelo (Italia) y el Saint Patrick (Canadá)" (13).
Aldo Paparella "nació en 1920 en
Minturno, Provincia Latina, Italia. En 1935
inició estudios libres en Roma con el
pintor Antonucci. En 1939, llamado a las armas,
pasó a la campaña de Africa cuando
Italia entraba en la guerra. Fue
prisionero en Francia durante tres años; esta experiencia
no dejaría de influir en su vida y en su obra. En 1947
participa en la Primera Exposición del Sindicato
Provincial de las Artes Figurativas en el Palacio Venecia,
Roma".
"En 1950 llega a Buenos Aires y comienza su
relación con el medio artístico. En 1955,
formó parte de la Asociación Arte Nuevo,
interviniendo en numerosas exposiciones de orientación
abstracta. Hacia fines de la década del 50 se volcó
a la escultura no figurativa, trabajando con piedra, madera,
chapas y materiales de
deshecho. En 1960 obtiene el Gran Premio de Honor en el
XIX Salón de Mar del Plata; y el Premio Escultura Rosa G.
de Rodriguez, en Santa Fe. En 1961 es invitado a la
Exposición Internacional de Amberes. Participa en la
muestra ‘Pintura y Escultura Argentina’, en el Museo
de Arte Moderno, San Pablo, Brasil, y en la
‘Exposición Internacional de Pintura y
Escultura’, en el Museo Municipal de Arte Moderno de Buenos
Aires. En 1962 participa en el Premio Internacional de Escultura,
convocado por el Instituto Di Tella, de Buenos Aires. En 1963
participa en la ‘Exposición de Pintura y Escultura
Actual Argentina’, en el Museo de Arte Moderno de
París. Representa a la Argentina en la VIII Bienal de San
Pablo, Brasil. Participa activamente en numerosas exposiciones
colectivas en el país y en el exterior; realizó
veintiún exposiciones individuales en la Argentina. En
1969 participa en el Premio Palanza. En 1970 es distinguido con
el Primer Premio Escultura, en Tandil, Prov. de Buenos Aires. En
1971 es invitado al Salón de Escultura de la
Compañía. Italo-Argentina de Electricidad.
Participa en la XI Bienal de Middelheim. Sus obras figuran en
importantes museos y colecciones particulares de la Argentina y
el exterior. Muere en 1977, en Buenos Aires"
(14).
Antonio Pujìa, "que naciò en Italia en
1929 y tomò la ciudadanìa argentina en 1957,
estudió en las escuelas de Bellas Artes Manuel Belgrano,
Prilidiano Pueyrredòn y Ernesto de la Càrcova.
Troiano Troiani, Alberto Lagos, Alfredo Bigatti y Josè
Fioravanti fueron sus maestros. Fundó el taller de
escultura escenogràfica del Teatro Colòn. Entre sus
distinciones figuran los grandes premios municipal (1959),
nacional (1960) y Palanza (1954). Es Caballero al mèrito
de la Repùblica Italiana desde 1982 y Ciudadano Ilustre de
la Ciudad de Buenos Aires desde 1992" (15).
En 2003, "Antonio Pujìa muestra una antologìa de
sus esculturas en homenaje a Rogelio Yrurtia, en la casa de
Belgrano que èste donò un año antes de morir
con muebles, obras de arte y todo. (…) La selecciòn
abarca cuatro dècadas" (16). En el catálogo de la
muestra, expresa: "Siempre entro emocionado a esta Casa Museo, en
’puntas de pie’, de la misma forma que en un ya
lejano día de 1948, con Arnoldo Montini mi
compañero de estudios, de la mano de Ernesto Scaglia,
pasador en yeso, preferido por el Maestro Yrurtia, por su
excelencia. A las órdenes de él, realizamos y
montamos varios calcos de algunas de sus obras, como su famoso
‘Moisés’, por ejemplo, y también otras
restauraciones, siempre con la atenta mirada y cuidadoso control del
Maestro. A partir de allí y hasta su fallecimiento en
1950, lo seguí frecuentando y en cada encuentro tuvo
palabras y gestos, sabios consejos y regalos que atesoro y valoro
con tanto cariño. Hoy entro una vez más, trayendo,
en honor al maestro una colección de mis trabajos, como
hijo que rinde cuenta ante su padre por la herencia
recibida. Preciosa! Grandiosa esta herencia que nos ha legado, no
sólo con su genial obra; también nos dejó su
ética
de hombre-artista, y esta hermosa casa conteniendo
sus bienes, su
colección de arte, comenzando por las bellas pinturas de
su esposa Lía Correa Morales, hija de otro grande del arte
y maestro de Yrurtia: Lucio Correa Morales. Con gratitud y
humildad brindo este homenaje a Yrurtia, y propongo un gran
reconocimiento-homenaje a nivel nacional, el que le debemos los
artistas y el pueblo de nuestro País" (17).
Beatriz Cazzaniga nació en Milán en 1941.
"Licenciada en Artes Plásticas en la Universidad de
Tucumán, es profesora titular de Historia del Arte en la
Universidad Nacional del Norte ‘Santo Tomás de
Aquino’. Becada por el Instituto de Cultura
Italiana y la universidad tucumana, realizó estudios de
perfeccionamiento en 1981-82 en técnicas de
fundición de bronce" (18).
Vicente Nadal Mora, nacido en 1895, "se inició
en el dibujo y la pintura en la Academia de Bellas Artes de Palma
de Mallorca y se trasladó a Buenos Aires, en 1909, donde
trabajó como escultor en las obras del Palacio de
Justicia, las que nunca fueron colocadas" (19). Falleció
en dicha ciudad en 1957.
José Planas Casas, nacido en 1900, "llegó
al país en 1911 y, en 1929, poco después de hacerse
ciudadano argentino, comenzó a exponer en Amigos del Arte
de Buenos Aires y en La Plata. Integró la muestra
argentina itinerante que en 1939 formó parte de las
exposiciones internacionales de Nueva York y San Francisco, en
Estados Unidos. También expuso en Brasil, Perú,
Uruguay y
galerías del interior del país, como Paraná,
Rosario y Santa Fe" (20).
David Vallmitjana nació en 1903. "Vivió
en París (Francia), Caracas (Venezuela) y
se estableció en la Argentina. Realizó numerosas
obras entre las que se destaca una cruz de oro y esmalte
a pedido de Harry Truman, que era presidente de los EE.UU.
Creó un cáliz de oro y perlas para el nuncio de Su
Santidad. Expuso en el país y en el extranjero, como en la
Tower Gallery de Chicago (EE.UU.)" (21).
Alemanes
Martín Blaszco nació en Alemania en
1920. "Arribó al país en 1939. Integra el grupo fundador
del movimiento
Madí. Participa, en el año 1952, en un concurso
para el "Monumento al prisionero político desconocido"
(obra que se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Buenos
Aires), del cual obtiene una distinción. Para realizar sus
obras parte del ritmo puro y dinámico y en las mismas
resalta una actitud
expresiva. Poseen siempre carácter de continuo movimiento. Expuso en
la Bienal de San Pablo; en la Tate Gallery (1952) y en la Bienal
de Venecia (1956)". Fue distinguido con la "medalla de bronce en
la Feria de Bruselas (1958) y (el) Gran Premio de Honor de la
Ciudad de Buenos Aires (1960). Exhibe en el Museo de Arte Moderno
de Nueva York y en el Centro Pompidou de París".
"Hacia 1962-63, comienza para Blaszko una nueva etapa. No
abandona la bipolaridad en los ritmos, sino que busca
intensificarla en un movimiento de oposición y de lucha.
En un escrito de la revista
‘Leonardo’ él dice: ‘El fenómeno
de la bipolaridad se convierte para mí en la esencia de
mis trabajos’ En sus obras ‘Júbilo’
(1964), ‘Liberación’ (1964-65), ‘El
eterno femenino’ (1966), ‘La protesta’ y
‘La Montaña’ (1968), la materia no
aparece aislada como en sus trabajos puristas y concretistas;
sino que se acerca a las características del expresionismo.
En sus obras ‘Equilibrio,
1,2,3…infinito’ (1970, cemento,
colección del artista), ‘Conflictos
ineludibles’ (1980; bronce; colección del artista) y
‘Júbilo’ (1988), utiliza diferentes magnitudes
y crea por medio de la sensibilidad imágenes
anímicas. Su deseo sería ‘encontrar la unidad
de todas las cosas… para poder fijar y
hacer visible el movimiento de creatividad y
de fuerza
vital’ " (22).
Fenia Cherktoff de Repetto nació en Rusia en 1869.
"En 1894, viuda y con una niña, estaba instalada en la
colonia Santa Clara, de la provincia de Entre Ríos (…)
Falleció en Buenos Aires el 31 de mayo de 1928" (23).
Sobre la vida y la obra del artista ruso Stephan Erzia,
escribió Ignacio Gutiérrez Zaldívar. En su
libro Erzia, leemos: "En el mes de abril de 1927 Stephan Erzia,
con 50 años de edad, llegó a la Argentina. El
Presidente de la Nación
Marcelo Torcuato de Alvear, que lo conoció y admiró
en París facilitó su entrada al país.
Así lo expresó el artista en una carta dirigida al
Ministro de Educación de Rusia,
en mayo de ese mismo año: ‘Acá en Buenos
Aires, me recibieron muy bien, tienen gran interés
por el arte ruso. Quiero hacer acá una gran
exposición que se abrirá a principios de
junio. Los críticos de arte me ofrecieron un muy buen
lugar para la exposición en forma gratuita y hasta el
Presidente de la República aceptó estar en la
inauguración. Nosotros llegamos primero a Montevideo, sin
tener la visa para entrar en la Argentina, pero la prensa nos dio
tanta atención que recibimos muchas
invitaciones’ ".
"Erzia, pensaba quedarse aquí una corta temporada, pero
finalmente se radicó por 23 años… Aquí
descubrió, al poco tiempo de llegar, la madera que se
convirtió en su material predilecto para sus esculturas:
el quebracho, que venía desde el Chaco para ser utilizado
como combustible de las cocinas y calderas
porteñas; madera que por su dureza fue bautizada por los
ingleses como ‘hulla roja’. Dijo el artista en una
nota publicada en la revista ‘Aquí
está’, en abril de 1938: ‘Adiviné al
instante las posibilidades que ofrecía para la escultura.
La variación de sus coloraciones, rojo, negro, blanco, dan
a las figuras un encanto especial…’ ".
"El diario ‘El Mundo’ de Buenos Aires, se hizo eco
del éxito
de la muestra del escultor en la galeria Muller en 1931
publicó: ‘Este hombre de amplia frente, de manos
nudosas y fuertes ha podido llegar a la cúspide en que hoy
se halla, impulsado exclusivamente por su sensibilidad de
niño. Es mediante esa imaginación infantil, que el
artista ruso descubre en los milenarios troncos de los quebrachos
y algarrobos de nuestro Chaco, las formas de sus esculturas.
Percibe en el bloque primitivo de la madera dura el perfil, la
silueta, el esbozo de lo que allí oculta. Es la madre
naturaleza
secundada por los vientos, los soles y las lluvias la que talla
esas figuras. Así las esculturas de Erzia conservan, en
todos los casos, la forma natural del árbol, cuyas
rugosidades, por el milagro extraordinario de la
imaginación infantil que los percibió
anticipadamente, completan el conjunto. Yelmos, cabellos y
barbas; sensaciones de quietud o de actividad aparecen
así, con el vigor salvaje, con la rudeza franca con que
las diseñó originalmente la naturaleza".
Dijo el artista con respecto al quebracho: ‘Es bella
como un metal, es fuerte y dulce como el hierro. No puedo
expresar lo que siento al verlas por la noche iluminadas a
través de las claraboyas. Me parece que hablan un lenguaje lleno
de misterio y de poesía’ ".
"En el mes de mayo de 1941 expuso en las salas de la Sociedad
Hebraica Argentina 20 obras realizadas en la Argentina. El diario
‘La Nación’ publicó sobre el artista:
‘Continua siendo igual a sí mismo. Nada lo muda,
nada lo desvía. Su cantera interior se remoza, empero, y
ofrece expresiones siempre diversas, dentro de la más
coherente unidad de estilo’. Y lo califica como ‘un
descubridor de formas’: profetas, músicos, filósofos, maternidades, fantasías
mitológicas y bailarinas; el movimiento y la quietud, la
vida y la muerte son
descubiertas por el artista en las raíces y troncos del
quebracho y el algarrobo, y puestas de manifiesto con la
sabiduría de su trabajo".
"En 1941 Erzia se mudó nuevamente, y el gran
caserón de Juramento 1434, se convirtió en un
museo, con las puertas abiertas a cualquiera que quisiera
disfrutar de su arte. Las dos plantas de la
casa exhibían en forma permanente sus obras y el propio
Erzia recibía a los visitantes. Allí vivió
cerca de 7 años".
"Publicó la revista ‘Ruso en Argentina’:
‘No es una exposición ordinaria y trivial, de las
cuales están llenas Buenos Aires y otras capitales. No hay
ni efectos luminosos sofisticados, no galerías alquiladas,
donde los cuadros y las estatuas llevados parecen extraños
y frecuentemente muertos’. Allí Erzia ‘sigue
viviendo, sintiendo y pensando junto con sus criaturas
fantásticas’. Describe cada una de las 6 salas y
concluye: ‘cada escultura es un símbolo, un impulso
del alma humana,
del pensamiento o
del cuerpo’ ".
"En 1946 el crítico de arte Alejandro Castagnino
visitó a Erzia en su taller, colmado de esculturas y
troncos, y lo encuentra rodeado de decenas de gatos y varias
jóvenes discípulas. Escribió sobre él
en la revista ‘Arte y Letras’: ‘Toda actividad
confiere generalmente al que la ejerce cierto aire
inconfundible. No sólo en el vestido, en los ademanes, en
el tono de la voz se puede traslucir lo que uno hace, sino lo que
uno es. Basta un rasgo, un detalle una mirada para denunciarlo.
Por eso quien enfrenta por vez primera a Erzia, sabe que se halla
en presencia de un artista; mas no por ser el arte su
profesión, sino por tener el alma de tal. (…) Por eso
los ojos azules de Stephan Erzia reflejan destellos
aéreos. Tienen ternura e ingenuidad de niño. Su
espíritu es prístino, transparente, diáfano.
(…) Erzia es un panteísta y como tal cree que las formas
están ya contenidas en los árboles
y que el misterio milenario que envuelve a los bosques las
oculta, hasta que venga una mano amiga a infundirle vida
convirtiéndolos en estatuas’ ".
"La revista ‘El Hogar’ publicó en abril de
1947 un reportaje realizado por Juan Eusebio Casariego en el
taller de Erzia. Dijo sobre los materiales que utiliza para sus
esculturas: ‘La madera vale más que el mármol
y la piedra. La madera ha estado viva
una vez, ha crecido, ha tenido sangre en sus
venas. El escultor la trabaja, y no siente el frío de la
cosa inerte, sino la cálida sensación de lo que
vive. El escultor se limita a hacerla perdurable su propia
vida’. Entre las numerosas obras que hay en el taller,
Casariego le pregunta sobre las cabezas de mujeres argentinas.
Erzia contestó: ‘No han sido hechas sobre un
modelo. No
son, justamente, un retrato. Cuando yo veo un motivo para una
cabeza, pienso en él, y luego, aparentemente lo olvido. Es
como la semilla que queda olvidada bajo la tierra y,
de pronto, germina. Así, de pronto, la subconsciencia ha
ido superponiendo esas caras de muchachas criollas que he visto
en mis largos viajes por la
Argentina, y, un día, impensadamente, surge un tipo. No
sé si es efectivamente un tipo criollo. Pero es la suma de
los rasgos de todas esas muchachas que he ido inconscientemente
delineando. Cada cabeza es el resultado de estos veinte
años de observación de las personas y las cosas de
este país’ ".
"Confesó también que no le entusiasma vender sus
obras: ‘Vivo muy modestamente. Con poco me basta. Tengo ya
70 años, y sólo el trabajo me
preocupa y me enardece’ Hay algunas obras de las cuales no
quiere desprenderse. Una anécdota publicada en el periódico
‘Nueva Época’ de Corrientes, en mayo de 1940
pone de manifiesto el sentimiento del artista por sus tallas. Una
vez lo visitó un millonario americano que le gustaron
mucho sus obras y le quería comprar una escultura en
quebracho. Cuando vio el modo mísero de vida del escultor
él pensaba que con su oferta
podría facilitar el modo de vida de Erzia y ofreció
25.000 dólares, Erzia se paró cerca de la obra,
empezó a acariciarla lentamente con su mano y le dijo,
esta obra cuesta 100.000 dólares o más. El
millonario no entendía que Erzia no podía
despedirse de sus esculturas, porque son parte de su corazón y
ningún oro puede compensarle la pérdida de sus
hijos".
En el reportaje de Casariego dijo ‘Pero yo soy buen ruso
y buen argentino. Y quiero a este país que me ha dado su
hospitalidad y me ha brindado el material más hermoso que
pude obtener para mi trabajo’ ". (24).
Rafael Squirru escribió en La Nación, a
propósito de la muestra que tuvo lugar en mayo de 2003:
"Con el auspicio de la embajada de Rusia que preside el embajador
Evgeny Astakhov y su esposa Elena, y con la curaduría de
Ignacio Gutiérrez Zaldívar se presenta esta
importante muestra de esculturas de Stefan Erzia, un maestro ruso
que vivió 23 años en la Argentina. Stefan
Dimitrievich Nefedov nació en 1876 en Baiervo, 600
kilómetros al sudeste de Moscú. En los comienzos de
su carrera de artista adoptó el nombre de Stefan Erzia, en
honor a la etnia a la que
pertenecía. La suya era una familia modesta
de campesinos (mujics) y sus primeros años trabajó
como carpintero, junto a su hermano mayor. Su talento
despuntó temprano y fue así como ingresó en
la Academia de pintura, arquitectura y
escultura de Moscú, donde tuvo entre otros de profesor al
notable escultor ruso Pablo Troubetzkoy, su más importante
influencia. Después de una estada en Italia, recaló
en París hasta la guerra del 14 cuando volvió a
Rusia, desempeñando importantes cargos en la enseñanza. Luego retornó a
París donde tuvo entre otros mecenas a Antonio
Santamarina. Allí conoció al presidente Alvear y
fue invitado a exponer en Buenos Aires. Su visita a nuestro
país, que programó como corta estada, duró
23 años. La explicación de este raro
fenómeno habremos de encontrarla en su descubrimiento del
quebracho y el algarrobo como el material que mejor se
avenía a los dictados de su inspiración. En sus
propias palabras: ‘La madera vale más que el
mármol y la piedra. La madera ha estado viva una vez, ha
crecido, ha tenido sangre en sus venas. El escultor la trabaja y
no siente el frío de la cosa inerte, sino la cálida
sensación de lo que vive. El escultor se limita a hacer
perdurable su propia vida’ ".
"Erzia confesó que veía en las vetas de la
madera las figuras que plasmaba, del mismo modo que pueden
imaginarse figuras en las nubes. Fue esa fascinación con
nuestras maderas la que lo atrapó por más de dos
décadas. Su respeto por este
material signó su estilo donde las figuras a menudo se
insinúan a medio salirse de la madera y sus raíces.
Erzia establece un contrapunto entre su propia visión
creadora y la que le brinda cada madera. Estilo maravilloso que
lo emparenta con algunas obras de Miguel Angel, pese a ser
considerado por algunos como el Rodin ruso".
"En 1950, Erzia retornó a Moscú donde
murió en 1959 con el escoplo en la mano. Esta muestra
está acompañada por un lujoso libro, rico en
reproducciones, escrito con erudición y agilidad por
Ignacio Gutiérrez Zaldívar, gracias a un
Comité de honor cuya generosidad lo hizo posible"
(25).
Nacido en Hungría en 1924, Gyula Kósice
fue "uno de los principales integrantes del grupo Madí.
Este grupo artístico que trabajó obras abstractas
donde sobresalían el juego y la
invención, fue fundado en Buenos Aires en 1946 por Carmelo
Arden Quin e incluyó a Gyula Kósice, Martín
Blaszko, Diyi Laañ y Esteban Eitler, entre otros. El
movimiento se inspiró en el arte vanguardista europeo,
como el dadaísmo y el constructivismo
ruso, e hizo propias las teorías
del arte concreto en
distintas expresiones. Se discute el origen del término
Madí. Para algunos es la sigla del Movimiento de Arte de
Invención; para otros, de materialismo
dialéctico".
"En 1941, (Kósice) inició con Royi una serie de
esculturas articuladas y giratorias. En 1957 se instaló en
París y dio a conocer el manifiesto La arquitectura del
agua en la
escultura. Entre sus obras emplazadas en lugares públicos
se destacan Faro de la cultura (Plaza de la Ingeniería, La Plata) y Victoria (Parque
Olímpico de Seúl, Corea del Sur)" (26).
En una entrevista
realizada con motivo de la muestra "Gyula Kosice Anticipaciones",
que tuvo lugar en el Centro Cultural Recoleta, se le
preguntó por qué eligió el agua como
elemento para sus obras. El escultor respondió: "El agua,
la elegí porque sentí la necesidad de utilizar un
elemento orgánico, que no es nada más ni nada menos
que el origen de vida. El origen de vida animal y del ser humano.
Es decir, el origen de la
vida en general empieza con el agua. Entonces, hubo una
necesidad de utilizar un elemento como es el agua,
arquitecturizarlo con cierta forma y hacerlo móvil.
Porque, aparte del agua, yo considero que en el Cosmos no hay
nada estático: todo es movimiento, luz, color. Y las
esculturas con agua entran a diferenciarse de las demás
esculturas que son completamente estáticas".
Al preguntársele qué papel juega la luz,
manifestó: "Es importante la luz porque justamente creando
una metáfora, es para descorrer lo desconocido a
través de la luz y que no existan tinieblas. (…) Es
qué todo es a partir de la luz, sin luz no hay elementos
que puedan tener una existencia propia. No te hablo de la gente
que realmente no puede ver, sino que la luz, en sí misma,
es transmisión de vida también. (…) yo quiero que
mi obra dialogue con la vida. Vos ves que yo, en algunas obras
hidrocinéticas, el agua en la superficie cambia
permanentemente, es decir que no puedo corregir ese azar. Lo dejo
librado a la vida misma a lo que pase".
Sobre la ciudad hidroespacial, comentó: "la propuesta
de la ciudad hidroespacial mía no se trata de ir fuera de
la estratósfera, sino a 1.500, 2.000 metros de altura
sobre el nivel del mar y crear estos hábitats que ves
acá en la exposición y vivir ahí.
Podés volver a tierra,
podés tener plataformas para tener un lugar dónde
estar, podés volver al mar a los océanos, podes
amerizar, aterrizar. Pero el ritual arquitectónico tuvo
una polémica cuando vivía Le Corbusier, él
no creía en esto. Decía que era una pura
utopía. Las utopías, como vos sabes, existen hasta
que dejan de existir. Entonces, él me decía no es
posible. Entonces, yo dije no. También, cuando Julio Verne
dijo que se podía ir a la luna lo tomaron por loco y se
llegó a la luna. Cree que viviremos en el espacio:
"Será como una vivienda. Eso no quiere decir que no se
podrá retornar a la tierra, pero por lo menos la vas a
dejar más limpia. Va a haber una relación entre el
ser humano y su propio tiempo personal. La
levadura de nuestra vida al final es el tiempo. Lograr ese tiempo
pero ocupando el espacio".
En su infancia, tuvo
una influencia decisiva: "Me tocó leer, de chiquito, un
libro de la vida de Leonardo Da Vinci. Tenía 10 u 11
años y empecé a copiar los diseños de
él, más que la pintura. Entonces, yo empecé
a ojearlo y me interesaron los dibujos de cómo
proyectó la posibilidad de volar del ser humano,
cómo inventó el submarino, cómo hizo las
máquinas hidráulicas…
Inventó tantas cosas que sería muy largo enumerar.
Entonces, yo copiaba eso, y bueno, por qué no hacer lo
mismo? Hay un elemento que yo insisto, es la tecnología de su
propio tiempo, y otro los enunciados de ese tiempo. Por ejemplo,
yo en el año 46', ya empecé a hacer con tubos
gas
neón en escultura y nadie lo había hecho. En
Norteamérica, hoy, todos lo están haciendo.
Empezamos hacer lo que en Norteamérica llaman sharpcanvas
y ya con Madí habíamos hecho el marco irregular
recortado, es decir, introdujimos el concepto de ventana en la
pintura. Después, empecé con el agua. Ahora, estoy
con la ciudad hidroespacial. Pero la última propuesta
mía, que ya es totalmente desorbitante, por la cual me
dicen ‘más loco todavía’, se llama
Irvé. Estoy inventando, utópicamente, algo que yo
lo llamo Irvé. Porqué Irvé? Porque tengo que
inventar un nombre igual que Madí igual que Royi… En
fin…".
Explica qué es Irvé: "Vivimos en una
civilización de pantalla. Qué quiere decir? Vamos
al cine, es una
pantalla; la televisión, es otra pantalla; los videos,
son otra pantallas; Internet, es otra
pantalla… Todo lo que es, de alguna manera, una
atracción vital e inclusive necesaria de nuestra
existencia, pasa por una pantalla; sobre todo, por el computer…
Ahora, todo está girando en torno a la
pantalla. Entonces, yo digo ‘yo quiero salir de la
pantalla. Yo quiero ir al volumen’.
La idea es que una máquina proyecte de alguna manera un
objeto en el espacio. No lo va a proyectar por disolución
sino, simplemente, lo va a trasladar. Yo, en mi caso,
haría una exposición de grandes esculturas en el
cielo de Buenos Aires, en pleno espacio, sobre el Río de
la Plata, pero no holográficamente sino en volumen real.
Hay que tener la osadía de que se pueda hacer. Porque todo
lo que es imaginado es posible".
Acerca del arte digital, manifiesta: "El arte digital lo
utilicé como una herramienta, no como una finalidad porque
sino estaría otra vez en el plano, en la superficie. El
arte digital me permite crear animaciones, como la que se puede
ver en el video que se
está proyectando aquí en la exposición. Me
permite animar las cosas y crear la posibilidad de verlas
convencionalmente, estando ya en el espacio. Para mi, es una
herramienta con unas posibilidades inmensas y con unas variantes
que no las podría realizar por un factor de tiempo"
(27).
El arquitecto Oscar Roberto Maisonave, director del museo
"Casa de Yrurtia", se refiere a la vida y la obra del escultor
descendiente de inmigrantes.
"Rogelio Yrurtia naciò en Buenos Aires el 6 de
diciembre de 1879. Sus padres, naturales de la provincia de
Guipùzcoa, España,
fueron don Antonio Yrurtia y doña Joaquina Ciriaco.
Realizò sus primeros estudios de escultura en casa de un
santero, ingresando en el año 1898 a la Escuela de la
Sociedad Estìmulo de Bellas Artes, de donde pasò
muy pronto al taller del maestro Lucio Correa Morales. En 1899
obtuvo por concurso la primera beca de perfeccionamiento
instituida por el Gobierno
Nacional, a travès del Ministerio de Instrucciòn
Pùblica, para realizar estudios en Europa. (…) Durante
su permanencia en Europa, que se extendiò por cinco
años, realizò su primera obra de aliento, el grupo
de seis figuras titulado ‘Las Pecadoras’, expuesto en
el Salòn de Parìs de 1903; el Jurado lo
ubicò en un sitio de honor cerca de las obras de
Rodin".
En nuestro paìs, "En 1904 ejecutò el monumento
al Dr. Alejandro Castro para el Hospital de Clìnicas. En
1907 se le adjudica por concurso el monumento al Coronel Dorrego
y la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires le encarga el
grupo ‘Canto al Trabajo’. En 1909 se presentò
al Concurso Internacional del Centenario para el Monumento a la
Revoluciòn de Mayo, con una maqueta con la que obtuvo el
segundo premio. (…) Entre 1916 y 1936 realizò el
imponente cenotafio destinado al presidente Bernardino Rivadavia,
el grupo ‘Combate de Box’, emplazado actualmente en
los jardines del Museo, y la estatua ‘Justicia’, que
le encomendara el Dr. Carlos Delcasse, su gran amigo, para su
sepulcro en el cementerio de Vicente Lòpez. En 1959 se
hizo de la misma una rèplica en bronce para el Palacio de
Tribunales en esta capital.".
"Fue profesor de escultura en la Escuela Nacional de Bellas
Artes, miembro de la Comisiòn Nacional de Bellas Artes y
Acadèmico Titular de Bellas Artes. Tienen obras suyas los
museos de Moscù, Barcelona, Rìo de Janeiro y en la
Argentina los museos Nacional de Bellas Artes, Municipal Eduardo
Sìvori y los provinciales de Santa Fe, La Plata, Rosario,
San Juan y otros. (…) muriò en Buenos Aires el 4 de
marzo de 1950" (28).
A criterio de Bonifacio del Carril, de la Academia Nacional de
Bellas Artes, "Rogelio Yrurtia es uno de los escultores
argentinos màs importantes y representativos de la primera
mitad del siglo XX. La vigorosa fuerza expresiva, la
escrupulosidad del detalle y la belleza intrìnseca de sus
creaciones son verdaderamente notables. Varias de sus obras
maestras, en distintos lugares de la ciudad, evocan la calidad de sus
trabajos y la perennidad de su obra: la estatua de Dorrego, el
Canto al Trabajo, el Moisès del mausoleo de Rivadavia, la
cabeza de Alfredo Palacios" (29).
Pablo Podestá esculpía. En sus memorias,
tituladas Desde ya y sin interrupciones, María Esther
Podestá destaca que de los Podestá actores, el
único que debe ser considerado argentino por derecho de
suelo es su
abuelo, Jerónimo Bartolomé. Los demás
nacieron en Montevideo, adonde había marchado la pareja de
inmigrantes ligurinos, atemorizada por el rumor de un
degüello de "gringos" durante el gobierno rosista. "La familia
permaneció en Montevideo desde 1851 –dice
María Esther-, y allí nacieron mis tíos
abuelos Pedro, José Juan (Pepe), Juan Vicente, Graciana,
Antonio Domingo, y Cecilio Pablo, quien artísticamente
suprimiría su primer nombre.
Nos habla de Pablo, quien prodigaba su talento en diversos
campos del arte: "Pero no fue sólo como actor,
cómico o dramático, que Pablo Podestá
proyectó su singular personalidad
artística. Hacia 1910, hallándose en gira por el
interior del país, estrenó con su
compañía, en el Olimpo de Rosario, una obra
titulada Miseria, de la que era autor. También le
pertenecía la música que completaba
la pieza. Asimismo, había pintado el decorado. Es decir
que simultáneamente fue autor, músico, pintor y
actor, hecho no muy frecuente en el mundo del teatro. Del
músico que era Pablo son difíciles de olvidar los
acordes que compuso para el estilo de La piedra del
escándalo, sobre los versos románticos de
Martín Coronado. También Pablo esculpía con
facilidad. Se conserva en el Museo del Teatro el busto que le
hizo de niña a Eva Franco, en 1917,cuando las
representaciones de Con las alas rotas, de Emilio Berisso"
(30).
…..
Formados en la Argentina y en el extranjero, los escultores de
sangre inmigrante brindaron su aporte al arte de la tierra que
los recibió.
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interrupciones. Buenos Aires, Corregidor, 1985.
Trabajo enviado por
Marìa Gonzàlez Rouco
Licenciada en Letras UNBA, Periodista Profesional
Matriculada
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